VA • The Very Best Of Prestige Records (60th Anniversary)

 

Lee Konitz, Lennie Tristano, Charles Earland, Dexter Gordon, Pat Martino, Richard ''Groove'' Holmes, Shirley Scott, Rahsaan Roland Kirk, Yusef Lateef, Brother Jack McDuff, Eric Dolphy, Miles Davi, Thelonious Monk ...

 

 

 

 

John Coltrane • Chasin' Another Trane Live At The Village Vanguard

 

Live’ at the Village Vanguard , was Coltrane’s first official ‘live’ album...
This set documents all four-night stand by John Coltrane (sax) and his quintet at the Village Vanguard in New York City, November 1/5/1961.
Coltrane is accompanied by an all-star ensemble of...
Eric Dolphy (alto sax/bass clarinet),
Garvin Bushell (oboe/contrabassoon),
Ahmed Abdul-Malik (oud),
McCoy Tyner (piano),
Jimmy Garrison (bass),
Reggie Workman (bass),
Elvin Jones (drums), and
Roy Haynes (drums).
Their presence is as equally vital as Coltrane's - inspiring as well as informing the dimensions of improvisation. With the knowledge that the entire run was being documented to create some sort of retail document, Coltrane chose nine specific compositions to concentrate on.
The choice of material likewise had a tremendous impact on the personnel of the band, evidenced by Bushnell's contributions during "Spiritual" and Abdul-Malik's within the context of the extended "India."
Each set bears its own distinctive shading and emphasis.
This allows even the most unsophisticated jazz consumer the opportunity to note the difference in the various versions, while contrasting the player's widely diverse performance styles.
This is an excellent set capturing Trane in a period of evolution, moving out of the post-bop sound of prior LP's, and into previously unexplored improvisational territory that hints at the masterpieces to come.

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Live' at the Village Vanguard , fue el primer álbum oficial "en directo" de Coltrane...
Este conjunto documenta las cuatro noches de John Coltrane (saxo) y su quinteto en el Village Vanguard de Nueva York, el 1/5/1961 de noviembre.
Coltrane está acompañado por un conjunto de estrellas...
Eric Dolphy (saxo alto/clarinete bajo),
Garvin Bushell (oboe/contrafagot),
Ahmed Abdul-Malik (oud),
McCoy Tyner (piano),
Jimmy Garrison (bajo),
Reggie Workman (bajo),
Elvin Jones (batería) y
Roy Haynes (batería).
Su presencia es tan vital como la de Coltrane: inspiran e introducen las dimensiones de la improvisación. Con la certeza de que se iba a documentar toda la carrera para crear una especie de documento de venta al público, Coltrane eligió nueve composiciones específicas en las que concentrarse.
La elección del material tuvo asimismo un tremendo impacto en el personal de la banda, evidenciado por las contribuciones de Bushnell durante "Spiritual" y de Abdul-Malik en el contexto de la extensa "India".
Cada conjunto lleva su propio matiz y énfasis distintivos.
Esto permite que incluso el consumidor de jazz menos sofisticado tenga la oportunidad de notar la diferencia entre las distintas versiones, a la vez que contrasta los estilos de interpretación tan diversos de los intérpretes.
Se trata de un conjunto excelente que capta a Trane en un periodo de evolución, alejándose del sonido post-bop de LPs anteriores y adentrándose en un territorio de improvisación inexplorado hasta la fecha que deja entrever las obras maestras que están por venir.

www.johncoltrane.com ...

Eddie Lockjaw Davis • Trane Whistle

 

Review by Scott Yanow
This CD reissue brings back an Eddie "Lockjaw" Davis session in which the distinctive tenor saxophonist is joined by a 13-piece big band arranged by Oliver Nelson. Most significant is the inclusion of the original version of "Stolen Moments" (here called "The Stolen Moment" and predating the more famous Oliver Nelson recording by several months). Eric Dolphy is in the backup group but is not heard from in a solo capacity. There are some spots for trumpeters Richard Williams, Clark Terry and Bobby Bryant along with Nelson on alto but this is primarily Davis' showcase. On a set comprised of four Oliver Nelson originals, the ballad "You Are Too Beautiful" and the leader's "Jaws," Lockjaw as usual shows plenty of emotion during his driving solos.
https://www.allmusic.com/album/trane-whistle-mw0000207360#review

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Reseña de Scott Yanow
Esta reedición en CD recupera una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis en la que el inconfundible saxofonista tenor está acompañado por una big band de 13 músicos con arreglos de Oliver Nelson. Lo más significativo es la inclusión de la versión original de "Stolen Moments" (aquí llamada "The Stolen Moment" y anterior en varios meses a la grabación más famosa de Oliver Nelson). Eric Dolphy está en el grupo de acompañamiento, pero no se le escucha como solista. Hay algunos espacios para los trompetistas Richard Williams, Clark Terry y Bobby Bryant, junto con Nelson en el contralto, pero este es principalmente el escaparate de Davis. En un set compuesto por cuatro originales de Oliver Nelson, la balada "You Are Too Beautiful" y "Jaws" del líder, Lockjaw, como de costumbre, muestra mucha emoción durante sus solos.
https://www.allmusic.com/album/trane-whistle-mw0000207360#review

John Coltrane • Olé Coltrane

  

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

www.johncoltrane.com ...

Eric Dolphy • The Illinois Concert

 

Review by Ken Dryden
The 1999 discovery of a previously unknown 1963 concert by Eric Dolphy makes it one of the finds of the decade. Taped for broadcast at the University of Illinois at Champaign, it was mentioned in an Eric Dolphy Internet chat room and eventually relayed to producer Michael Cuscuna. The sound is very good, except for overly prominent drums throughout the concert and an under-miked flute on "South Street Exit." Dolphy's playing is consistently rewarding, including a lengthy workout of "Softly, As in a Morning Sunrise," a miniature of "Something Sweet, Something Tender," and his always superb solo feature of "God Bless the Child." He switches to alto sax for an adventurous new work, "Iron Man" (which he would record a few months later for Douglas International), also inserting a hilarious quote of "Comin' Through the Rye." A 23-year-old Herbie Hancock on piano, Eddie Locke on bass, and drummer J. C. Moses make up the solid rhythm section. The last two tracks, "Red Planet" and Dolphy's "G.W.," add the support of the University of Illinois Brass Ensemble, which included a young Cecil Bridgewater on trumpet. Highly recommended!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

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Reseña de Ken Dryden
El descubrimiento en 1999 de un concierto de Eric Dolphy en 1963 previamente desconocido lo convierte en uno de los hallazgos de la década. Grabado para su transmisión en la Universidad de Illinois en Champaign, fue mencionado en una sala de chat de Eric Dolphy en Internet y finalmente transmitido al productor Michael Cuscuna. El sonido es muy bueno, excepto por los tambores excesivamente prominentes durante todo el concierto y una flauta con micrófono bajo en " South Street Exit."La interpretación de Dolphy es consistentemente gratificante, incluido un largo entrenamiento de 'Suavemente, Como en un Amanecer Matutino', una miniatura de 'Algo Dulce, Algo Tierno' y su siempre excelente característica en solitario de 'Dios Bendiga al Niño'."Cambia al saxo alto por un nuevo trabajo aventurero," Iron Man "(que grabaría unos meses después para Douglas International), insertando también una cita hilarante de "Comin' Through the Rye."Un Herbie Hancock de 23 años al piano, Eddie Locke al bajo y el baterista J.C. Moses componen la sólida sección rítmica. Las dos últimas pistas," Red Planet " y "G. W." de Dolphy, cuentan con el apoyo del Conjunto de Metales de la Universidad de Illinois, que incluía a un joven Cecil Bridgewater a la trompeta. Muy recomendable!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

VA • Blue Note Plays Monk's Music

 

 

Freddie Hubbard • The Body & The Soul

 

 

Review by Michael G. Nastos
At age 25, Freddie Hubbard made inroads into modern jazz most trumpeters could not imagine, much less come through with. As a soloist, one of Hubbard's crowning achievements in his early period was this recording on which he teamed with Wayne Shorter, marginally as a performer but prominent in the role of arranger/conductor for his first time ever. Utilizing a septet, 16-piece big band, and orchestra plus stings to play concise, tight tunes, Shorter provides the backdrop to employ Hubbard's bold toned trumpet and all of its devices in a full display of his powerful melodic talents. Yeoman Reggie Workman plays bass on all selections, with drummer Louis Hayes in the seven-piece combo, and great work from Philly Joe Jones in the larger bands. Interestingly enough, the three tracks with the smaller ensemble are the most interesting, due to the presence of Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton, and Shorter on the front line. "Clarence's Place" is a post-bop jewel with spiky brass accents and Dolphy's ribald and outre alto sax solo contrasting Shorter's relatively reserved tenor, "Dedicated to You" is a wisp of a tune, while "Body & Soul," an atypical choice for the opening selection, is a straight read of the classic ballad with a chart that sounds larger than the small horn section, and a wavering flute via Dolphy. The big band does an unusual soul-jazz treatment of the Brazilian number "Manha de Carnaval" flavored by Robert Northern's French horn, while "Aries" is a hard bop show stopper with two-note accents buoying Hubbard's great lyrical lines, and goes further into hard bop with "Thermo" as the horns demand attention with the trumpeter as an afterthought. The string section, ten pieces strong, joins the big band on the film noir type Duke Ellington piece "Chocolate Shake," the stock "I Got It Bad," and "Skylark," with its soft clarion intro bubbling underneath with the violins, violas, and cellos. The manner in which this recording is programmed is thoughtful in that it lends to the diversity of the project, but is seamless from track to track. Dan Morgenstern's hefty liner notes also explain the concept behind this ambitious project, one which did not compare to any of Hubbard's other recordings in his career. Therefore it stands alone as one of the most unique productions in his substantive discography, and a quite credible initial go-round for Shorter as an orchestrator.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

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Reseña de Michael G. Nastos
A la edad de 25 años, Freddie Hubbard hizo incursiones en el jazz moderno que la mayoría de los trompetistas no podían imaginar, y mucho menos llegar. Como solista, uno de los logros más importantes de Hubbard en su primera etapa fue esta grabación en la que se asoció con Wayne Shorter, marginalmente como intérprete pero prominente en el papel de arreglista/director de orquesta por primera vez. Utilizando un septeto, una big band de 16 piezas y una orquesta más stings para tocar melodías concisas y ajustadas, Shorter proporciona el telón de fondo para emplear la audaz trompeta de Hubbard y todos sus dispositivos en un despliegue completo de sus poderosos talentos melódicos. El músico Reggie Workman toca el bajo en todas las selecciones, con el baterista Louis Hayes en el combo de siete piezas, y un gran trabajo de Philly Joe Jones en las bandas más grandes. Curiosamente, los tres temas con el conjunto más pequeño son los más interesantes, debido a la presencia de Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton y Shorter en primera línea. "Clarence's Place" es una joya post-bop con acentos de metal puntiagudos y el solo de saxo alto de Dolphy, mordaz y extravagante, que contrasta con el tenor relativamente reservado de Shorter, "Dedicated to You" es una melodía muy ligera, mientras que "Body & Soul", una elección atípica para la selección de apertura, es una lectura directa de la balada clásica con un gráfico que suena más grande que la pequeña sección de vientos, y una flauta vacilante a través de Dolphy. La big band hace un tratamiento inusual de soul-jazz del número brasileño "Manha de Carnaval" con el sabor de la trompa de Robert Northern, mientras que "Aries" es un espectáculo de hard bop con acentos de dos notas que animan las grandes líneas líricas de Hubbard, y va más allá en el hard bop con "Thermo", ya que las trompas exigen atención con el trompetista como una idea de último momento. La sección de cuerdas, compuesta por diez piezas, se une a la big band en la pieza de Duke Ellington de tipo cine negro "Chocolate Shake", en la clásica "I Got It Bad" y en "Skylark", con su suave introducción de clarín burbujeando por debajo con los violines, las violas y los chelos. La forma en que se ha programado esta grabación está bien pensada, ya que contribuye a la diversidad del proyecto, pero es perfecta de una pista a otra. Las abundantes notas de Dan Morgenstern también explican el concepto que hay detrás de este ambicioso proyecto, que no se compara con ninguna de las otras grabaciones de Hubbard en su carrera. Por lo tanto, se trata de una de las producciones más singulares de su extensa discografía, y de una primera vuelta de tuerca bastante creíble para Shorter como orquestador.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

John Coltrane • Newport '63

 

 

Newport '63 is the compilation of three songs recorded in wonderful versions at the Newport Jazz Festival in 1963: I Want to Talk About You, My Favorite Things and Impressions, which have the particularity that drummer Roy Haynes replaces the usual quartet member Elvin Jones; plus the addition of Chasin' Another Trane, taken from the legendary sessions at the Village Vanguard in 1961, the only piece in which the aforementioned drummer plays.

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Newport '63 es la compilación de tres temas grabados en maravillosas versiones en el Festival de Jazz de Newport, en 1963: I Want to Talk About You, My Favorite Things e Impressions, que tienen como particularidad el hecho de que el baterista Roy Haynes reemplaza al usual miembro del cuarteto Elvin Jones; más el agregado de Chasin' Another Trane, extraida de las legendarias sesiones en el Village Vanguard de 1961, única pieza en la que toca el mencionado baterista.


www.johncoltrane.com ...

Chico Hamilton • Gong East!

 

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

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Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

Eric Dolphy • Outward Bound

 

This CD contains Eric Dolphy's complete original LP Outward Bound (Prestige/New Jazz 8236). It marks his first album as a leader, and features him in a quintet format with Freddie Hubbard on trumpet, Jaki Byard on piano, George Tucker on bass and Roy Haynes on drums. It was also the first of various collaborations between Dolphy and Hubbard. The only two alternate takes from the session, as well as an extended reading of the bluesy "R&R" recorded that same year (and on which he shares center stage with Roy Eldridge and Charles Mingus) have been added as a bonus. ERIC DOLPHY - alto sax, bass clarinet & flute; FREDDIE HUBBARD, trumpet; JAKI BYARD, piano; GEORGE TUCKER, bass; ROY HAYNES, drums Recorded Englewood Cliffs, New Jersey, April 1, 1960. Original session recorded by Rudy Van Gelder. "Sometimes sounding as if it is boiling with rage, Dolphy's music is filled with sharp, jagged lines that lift the listener as they spiral to peak after peak of raw emotional expression. This album is life". DON DeMICHEAL - ALLMUSIC "This very likable set was Eric Dolphy's first as a leader. A perfect introduction to Eric Dolphy's versatile talents, this boppish set is more accessible than many of Dolphy's more innovative recordings. Recommended." (Scott Yanow)
https://www.propermusic.com/11437-outward-bound-3-bonus-tracks.html

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Este CD contiene el LP original completo de Eric Dolphy Outward Bound (Prestige/New Jazz 8236). Es su primer álbum como líder, y lo presenta en formato de quinteto con Freddie Hubbard a la trompeta, Jaki Byard al piano, George Tucker al bajo y Roy Haynes a la batería. También fue la primera de varias colaboraciones entre Dolphy y Hubbard. Las dos únicas tomas alternativas de la sesión, así como una lectura extendida del blues "R&R" grabada ese mismo año (y en la que comparte protagonismo con Roy Eldridge y Charles Mingus) se han añadido como bonus. ERIC DOLPHY - saxo alto, clarinete bajo y flauta; FREDDIE HUBBARD, trompeta; JAKI BYARD, piano; GEORGE TUCKER, bajo; ROY HAYNES, batería Grabado en Englewood Cliffs, Nueva Jersey, el 1 de abril de 1960. Sesión original grabada por Rudy Van Gelder. "A veces sonando como si hirviera de rabia, la música de Dolphy está llena de líneas afiladas y dentadas que elevan al oyente a medida que se elevan en espiral hacia un pico tras otro de cruda expresión emocional. Este álbum es la vida". DON DeMICHEAL - ALLMUSIC "Este conjunto tan agradable fue el primero de Eric Dolphy como líder. Una perfecta introducción al versátil talento de Eric Dolphy, este conjunto boppish es más accesible que muchas de las grabaciones más innovadoras de Dolphy. Recomendado". (Scott Yanow)
https://www.propermusic.com/11437-outward-bound-3-bonus-tracks.html

Benny Golson • Just Jazz! [The Complete Triple Play Stereo Sessions]

 

Review from Jazz Journal
Benny Golson's tenor playing is consistently inventive and melodic, displaying the qualities that made him one of the major voices of hard bop.
httpsjazzjournal.co.uk

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Resena de Jazz Journal
El saxo tenor de Benny Golson es constantemente inventivo y melodico, mostrando las cualidades que lo convirtieron en una de las voces principales del hard bop.
httpsjazzjournal.co.uk

Chico Hamilton • Gongs East

 

Charles Mingus Sextet With Eric Dolphy • Cornell 1964

 

 

Review
by Thom Jurek 
In 2005, Blue Note raised the eyebrows (and expectations) of the jazz world by issuing the previously unreleased Thelonious Monk/John Coltrane Carnegie Hall concert from November of 1957 that literally replaces the few other recordings of the group both sonically and musically. In 2007, courtesy of Charles Mingus' widow Sue, with the help of Michael Cuscuna and Blue Note, gives us another heretofore unknown bit of jazz history with the Charles Mingus Sextet with Eric Dolphy's Cornell University Concert from March 18, 1964. The reason this gig is significant is because apparently, not only didn't anybody know it was recorded, according to Gary Giddins, who wrote the (typically) excellent liners here, no one but the people who put on the show and the students who attended even knew it had taken place! The other reason for its historic importance is that it took place 17 days before the famed Town Hall concert and predated other European shows by the band by at least a month. This is significant because trumpeter Johnny Coles took ill shortly after, and Dolphy passed away a few months later. Until now, the Town Hall gig was the standard for this band, but it is safe to say with this current revelation that it will be replaced in the annals of the canon. This band -- Mingus, Dolphy, Coles, Jaki Byard, Dannie Richmond, and Clifford Jordan -- played perhaps definitive renditions of some Mingus tunes worked out previously at the Five Spot where he assembled the group, and were presumed to have first been performed, and recorded, at Town Hall. Much of the material was also performed on the European tour that followed and climaxed with an appearance at the Monterey Jazz Festival.

These two discs contain a number of debuts and some absolutely startling solos beginning with Byard's solo set opener "ATFW You," which is four-and-a-half minutes of genius and jazz history. Mingus' solos with skeletal Byard backing on "Sophisticated Lady" for another few minutes before the band takes off in earnest with a raucous yet amazingly playful half-hour version of "Fables of Faubus," that dazzles, to say the least, in large part because of the utterly inspired bass playing by the bandleader, and the embedded quotes from corny American folk songs to popular tunes to Chopin. Another debut here is the sextet version of Billy Strayhorn's "Take the 'A' Train," which Mingus had only recorded before with a big band. The differences, as one can imagine, are striking, particularly in Jordan's solo. The introduction of "Meditations" on the second disc of this set is simply shattering. Over half-an-hour in length, it offers once more the genius in Byard's playing and underscores Richmond as far more than a rhythmnatist, and Coles as a soloist who could hang with anybody. Of particular note is the interplay between Jordan and Dolphy's bass clarinet: the tune once more embodies the best of Mingus' thought and inspiration as it takes solid note of the lineage of the music and extends it into the future.

"So Long Eric" also appears here, since at the time of this recording, he was leaving the band, and this piece was a thanks for his contribution to Mingus' music and not the elegy it has been consistently thought of (Giddins points this out). Another welcome surprise here is the sextet performing a six-minute rendition of "When Irish Eyes Are Smiling" (St. Patrick's Day was the day before), kicked off by a jaunty, swinging intro by Byard and Mingus. As the melody becomes pronounced the horns all kick in in unison, and Coles takes a wonderful solo, swinging hard and lyrical with wonderful counterpoint by Mingus and timely fills and comping by Byard, as a jazz version of a reel played by Dolphy on clarinet can be heard in the background. The final surprise is the only known recording of Mingus playing Fats Waller's "Jitterbug Waltz," with killer duo played between Dolphy on flute and Byard. Throughout, Mingus' bass urges them on, digging deep into the groove of the tune, and the dialogue between Mingus and Richmond is nearly telepathic. Despite all of these debuts, there is another very profound reason that this recording is so utterly special, which Giddins reveals near the beginning of his liner notes. There is a kind of exuberance and joy on this set that offers another side of the mercurial and stormy bandleader. Seldom has he sounded so at ease and relaxed as he does here. The confidence in the ensemble is complete, and he feels no need to push but only to encourage and tale delight in the proceedings. This short-lived group proves, as evidenced here, that they were a magical unit that may not have been around as long as Miles Davis' second quintet, or John Coltrane's quartet, but as under-celebrated as its various musicians were -- Coles, Richmond, and especially Byard -- the band itself was as innovative and creative even in the brevity of its existence. This double-disc is every bit as important as the Monk-Coltrane disc, and sounds very fine for a tape that has been sitting in a closet for over 40 years: it truly needs to be heard to even be believed, let alone convinced.
https://www.allmusic.com/album/cornell-1964-mw0000480163

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Reseña
por Thom Jurek
En 2005, Blue Note levantó las cejas (y las expectativas) del mundo del jazz al publicar el concierto inédito de Thelonious Monk/John Coltrane en el Carnegie Hall de noviembre de 1957, que literalmente sustituye a las pocas grabaciones del grupo tanto sonora como musicalmente. En 2007, por cortesía de la viuda de Charles Mingus, Sue, con la ayuda de Michael Cuscuna y Blue Note, nos ofrece otro trozo de historia del jazz hasta ahora desconocido con el concierto del Sexteto de Charles Mingus con Eric Dolphy en la Universidad de Cornell del 18 de marzo de 1964. La razón por la que este concierto es significativo es porque, aparentemente, no sólo nadie sabía que se había grabado, sino que, según Gary Giddins, que escribió los (típicos) excelentes forros aquí, ¡nadie más que la gente que organizó el espectáculo y los estudiantes que asistieron sabían que había tenido lugar! La otra razón de su importancia histórica es que tuvo lugar 17 días antes del famoso concierto del Town Hall y fue anterior a otros espectáculos europeos de la banda durante al menos un mes. Esto es significativo porque el trompetista Johnny Coles enfermó poco después y Dolphy falleció unos meses más tarde. Hasta ahora, el concierto del Town Hall era el estándar de esta banda, pero es seguro decir con esta revelación actual que será reemplazado en los anales del canon. Esta banda -Mingus, Dolphy, Coles, Jaki Byard, Dannie Richmond y Clifford Jordan- tocó versiones quizá definitivas de algunos temas de Mingus elaborados previamente en el Five Spot, donde reunió al grupo, y que se presume que fueron interpretados y grabados por primera vez en el Town Hall. Gran parte del material también se interpretó en la gira europea que siguió y que culminó con una aparición en el Festival de Jazz de Monterey.

Estos dos discos contienen una serie de debuts y algunos solos absolutamente sorprendentes, comenzando con el primer solo de Byard, "ATFW You", que son cuatro minutos y medio de genialidad e historia del jazz. Los solos de Mingus con el esquelético apoyo de Byard en "Sophisticated Lady" duran unos minutos más antes de que la banda se lance en serio con una estridente pero increíblemente juguetona versión de media hora de "Fables of Faubus", que deslumbra, por no decir otra cosa, en gran parte por el inspiradísimo toque de bajo del líder de la banda, y las citas incrustadas de cursis canciones folclóricas americanas, melodías populares y Chopin. Otro debut aquí es la versión para sexteto de "Take the 'A' Train" de Billy Strayhorn, que Mingus sólo había grabado antes con una big band. Las diferencias, como se puede imaginar, son notables, sobre todo en el solo de Jordan. La introducción de "Meditations" en el segundo disco de este conjunto es simplemente estremecedora. Con más de media hora de duración, ofrece una vez más la genialidad de Byard y subraya que Richmond es mucho más que un rítmico, y que Coles es un solista que puede estar a la altura de cualquiera. Cabe destacar la interacción entre Jordan y el clarinete bajo de Dolphy: la melodía encarna una vez más lo mejor del pensamiento y la inspiración de Mingus, ya que toma buena nota del linaje de la música y lo extiende hacia el futuro.

"So Long Eric" también aparece aquí, ya que en el momento de esta grabación, él estaba dejando la banda, y esta pieza era un agradecimiento por su contribución a la música de Mingus y no la elegía que se ha pensado sistemáticamente (Giddins señala esto). Otra grata sorpresa es que el sexteto interpreta una versión de seis minutos de "When Irish Eyes Are Smiling" (el Día de San Patricio fue el día anterior), iniciada por una introducción alegre y oscilante de Byard y Mingus. A medida que la melodía se va pronunciando, las trompas entran al unísono, y Coles hace un maravilloso solo, con un swing fuerte y lírico, con el maravilloso contrapunto de Mingus y los oportunos rellenos y composiciones de Byard, mientras se oye de fondo una versión jazzística de un rollo tocado por Dolphy al clarinete. La sorpresa final es la única grabación conocida de Mingus tocando el "Jitterbug Waltz" de Fats Waller, con un dúo asesino entre Dolphy a la flauta y Byard. En todo momento, el bajo de Mingus les impulsa, profundizando en el ritmo de la melodía, y el diálogo entre Mingus y Richmond es casi telepático. A pesar de todos estos debuts, hay otra razón muy profunda por la que esta grabación es tan especial, que Giddins revela al principio de sus notas. Hay una especie de exuberancia y alegría en este conjunto que ofrece otra cara del mercurial y tormentoso director de orquesta. Pocas veces ha sonado tan a gusto y relajado como aquí. La confianza en el conjunto es total, y no siente la necesidad de presionar, sino sólo de animar y deleitarse con las actuaciones. Este grupo de corta vida demuestra, como se evidencia aquí, que era una unidad mágica que puede no haber estado tanto tiempo como el segundo quinteto de Miles Davis, o el cuarteto de John Coltrane, pero por muy poco celebrados que fueran sus diversos músicos - Coles, Richmond, y especialmente Byard - la banda en sí era tan innovadora y creativa incluso en la brevedad de su existencia. Este doble disco es tan importante como el de Monk-Coltrane, y suena muy bien para una cinta que ha estado guardada en un armario durante más de 40 años: realmente hay que escucharlo para creerlo, por no decir convencerlo.
https://www.allmusic.com/album/cornell-1964-mw0000480163

John Coltrane Quintet featuring Eric Dolphy • The Complete November 18, 1961 Paris Concerts

 

Backed by McCoy Tyner, Reggie Workman and Elvin Jones, Coltrane decided in mid-1961 to try his luck with his first European tour as a leader. The group which crossed the ocean, however, wasn't a quartet but a quintet, due to the addition of alto sax and flute player Eric Dolphy. "For a long time", declared later Coltrane, "Eric Dolphy and I had been talking about all kinds of improvising techniques. Finally, I decided that as long as my band was working steadily, it made sense for Eric to join us". The Olympia performances are full of excitement.

Chico Hamilton Quintet with Eric Dolphy • The Original Ellington Suite

 

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#2

 

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

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Charles Mingus • Incarnations

 

Charles Mingus • Reincarnations

 

Further rare material from the Charles Mingus sessions for the Candid label in 1960 – work that initially gave the world his two famous albums for the company, both of which were easily some of the most revolutionary work he recorded up to that point in his career! The spirit of the tracks here is very similar – Mingus set free from the more confined modes of Columbia Records, and serving up long tracks that are filled with searing solos from a top-shelf array of young modernists – players who include Eric Dolphy on alto and flute, Jimmy Knepper on trombone, Ted Curson and Lonnie Hillyer on trumpets, Booker Ervin on tenor, and Tommy Flanagan on piano – sounding a lot more dynamic here than on his own recordings. The material here was all unissued at the time – and titles include "Melody From The Drums", "Vassarlean", "Body & Soul (take 2)", "Wrap Your Troubles In Dreams (take 4)", and "Reincarnation Of A Lovebird (first version – take 4)
https://www.dustygroove.com/item/193811/Charles-Mingus:Reincarnations

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Más material inédito de las sesiones de Charles Mingus para el sello Candid en 1960, un trabajo que inicialmente dio al mundo sus dos famosos álbumes para la compañía, ¡ambos fácilmente algunos de los trabajos más revolucionarios que había grabado hasta ese momento en su carrera! El espíritu de las pistas aquí es muy similar: Mingus se liberó de los modos más limitados de Columbia Records y nos ofrece largas pistas llenas de solos abrasadores de una selección de jóvenes modernistas de primer nivel, entre los que se encuentran Eric Dolphy al saxo alto y la flauta, Jimmy Knepper al trombón, Ted Curson y Lonnie Hillyer a la trompeta, Booker Ervin al saxo tenor y Tommy Flanagan al piano, que suenan mucho más dinámicos aquí que en sus propias grabaciones. El material aquí incluido no se había publicado en ese momento, y los títulos incluyen «Melody From The Drums», «Vassarlean», «Body & Soul (take 2)», «Wrap Your Troubles In Dreams (take 4)» y «Reincarnation Of A Lovebird (primera versión – take 4)».
https://www.dustygroove.com/item/193811/Charles-Mingus:Reincarnations